Yes - 'Tales From Topographic Oceans' [1,973]

Banda: Yes
Disco: Tales From Topographic Oceans
Año: 1,973
Género: Progressive Rock
País: Inglaterra
Tamaño: 148 Mb.

Aquí tenemos 4 temas, 81 minutos de música, y 1 de las leyendas británicas del Rock Progresivo, se trata de Yes, auténtico peso pesado en la materia, que para 1,973 ya había cavado su lugar en el panteón progresivo con álbumes clasiquísimos como Fragile y Close to the Edge, sin embargo la línea ascendente en creatividad no se interrumpió y como resultado Jon Anderson y Steve Howe se inspiraron en las antiguas escrituras sánscritas acerca de la vida, su naturaleza y orígenes, para crear Tales From Topographic Oceans. Hablar de TFTO es hablar de algo enorme, no sólo por la duración de los temas, aproximadamente 20 minutos cada uno, sino enorme en inspiración, enorme en magia, y enorme en emotividad al "presenciar" el enfoque y representación musical de la banda de dichas escrituras sagradas orientales.

Este proyecto se podría calificar de ambicioso, pero recordemos que el Rock Progresivo tiene estas cosas, largos pasajes instrumentales y letras fuera de lo que conocemos como común.  Incluso algunos fans en este punto llegaron a pensar que la banda estaba perdiendo el norte en cuanto al grado de pomposidad se refería, es decir, veníamos de un álbum con "Close to the Edge" de 18 minutos, ¿y pasamos a uno doble con no una sino cuatro piezas de la misma talla?, a algunos les pareció un exceso; a mí me pareció grandiosamente espectacular, abundante en melodía y complejo en armonía. 

La banda decidió agregar dentro del libreto del álbum un pequeño texto para explicar ciertos aspectos de cada tema...

SHRUTIS: The Revealing Science of God can be seen as an ever-opening flower in which simple truths emerge examining the complexities and magic of the past and how we should not forget the song that has been left to us to hear. The knowledge of God is a search, constant and clear.

El primer tema es una aventura melodiosa y optimista en su mensaje, uno no esperaría menos de un título como ese. Difícil apuntar qué es lo que sobresale de él, pero diría que sorprendentemente es la actuación vocal de Anderson.

SHRUTIS: The Remembering. All our thoughts, impressions, knowledge, fears, have been developing for millions of years. What we can relate to is our own past, our own life, our own history. Here, it is especially Rick's keyboards which bring alive the ebb and flow and depth of our mind's eye; the topographic ocean. Hopefully we should appreciate that given points in time are not so significant as the nature of what is impressed on the mind, and how it is retained and used.

The Remembering es una delicia, como bien apunta Anderson, Rick Wakeman en su labor en los teclados le da esa especial vibra que tiene, casi relajante, meditativa y etérea, especialmente en los pasajes alrededor de los minutos 8 y 16.  Es como que los demás miembros dieron un paso atrás para dejar a Rick en los reflectores, y no decepciona un segundo.

PURANAS: The Ancient probes still further into the past beyond the point of remembering. Here Steve's guitar is pivotal in sharpening reflection on the beauties and treasures of lots civilisations, Indian, Chinese, Central American, Atlantean. These and other people left an immense treasure of knowledge.

Turno de Steve Howe para brillar. The Ancient es una masiva colección de todo lo que Howe tiene en su repertorio, y lo hace todo sobre un ritmo construído por Squire y White que evoca a esas sabias civilizaciones perdidas en el tiempo. Este es un tema frenético en su primer parte, casi improvisado; la segunda parte es muy distinta, Howe reduce la velocidad y toma la guitarra acústica para deleitarnos con uno de sus más hermosos solos.  ¡Qué viaje!

TANTRAS: The Ritual seven notes of freedom to learn and to know the ritual of Life. Life is a fight between sources of evil and pure love. Alan and Chris present and relay the struggle out of which comes a positive source. Nous Sommes Du Soleil. We are of the Sun. We can see.

El Ritual para terminar este largo recorrido, es quizá el tema en donde se acentúa más la cohesión entre los músicos. Escuchar las líneas de Chris Squire hacen que siempre lo recuerde cuando se habla de grandes bajistas. Hay un segmento cerca del final que es de hecho una especie de ritual, cuando acaba, entendemos con más claridad que en realidad Nous Sommes du Soleil, We Are the Sun... Nosotros somos del Sol. 

Un trabajo tan extraordinario merecía un post un poco más largo de lo normal. De toda la discografía de Yes tengo muchos favoritos, pero este es mi último, tomó un poco de tiempo que llegara a ese nivel, pero valió la pena. Me despediré citando unas de las últimas líneas de "Ritual"...

We hear a sound and alter our returning
We drift the shadows and course our way back home
Flying home...
Going home...

Alineación:

Jon Anderson: Voz.
Steve Howe: Guitarras y voz.
Rick Wakeman: Teclado.
Chris Squire: Bajo y voz.
Alan White: Batería, percusión.

Tracks:
1. The Revealing Science Of God (Dance Of The Dawn) - (20:22)
2. The Remembering (High The Memory) - (20:36)
3. The Ancient (Giants Under The Sun) - (18:36)
4. Ritual (Nous Sommes Du Soleil) - (21:33)

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Somewhere off Jazz Street [Darkjazz/Jazz Noir]

Este es un proyecto muy muy interesante que recién descubrí y quiero compartirles. Somewhere off Jazz Street está conformado únicamente por el pianista Jazz Buz Hendricks, quien, según sus propias palabras, siempre prefirió escuchar a los saxofonistas.  Con la tecnología actual, Hendricks hizo uso de diverso software y un teclado para crear su música, así que lo que escuchamos como saxofón, es en realidad sonido de saxo creado electrónicamente, pero creo que es imposible notar alguna diferencia.

El estilo de SoJS me encanta, es ese tipo de Jazz que bien podría ser el soundtrack de una de las tantas películas del film noir de los años '40.  La atmósfera generalmente es melancólica y etérea, guiada por el saxo electrónico; me parece que este es un trabajo experimental de alta calidad, innovativo en el aspecto tecnológico, ya que no tenía conocimiento de ninguna otra banda de Jazz, Electrojazz o algo similar que ya no hiciera uso de instrumentos tradicionales. Si me equivoco, y ustedes saben de otra, por favor cuéntenme.

Escuchar esta música te hace imaginarte una noche fría, caminando por las calles de la ciudad en camino a algún pub, en el cual te encontrarás con una femme fatale que te espera fumando un cigarrillo para luego tomar un trago mientras escuchas el Jazz del lugar. Justo como en las películas.

Afortunadamente, los álbumes se pueden descargar desde la página oficial de Somewhere off Jazz Street, y también desde su sitio en lastfm.

¡Qué los disfruten!

Alineación:

Buz Hendricks: Todos los instrumentos, software.

Acid Mothers Temple - "Pataphisical Freakout MU!!" [1,999]

 
Banda: Acid Mothers Temple
Disco: Pataphisical Freakout MU!!
Año: 1,999
Género: Psychedelic Rock
País: Japón
Tamaño: 76 Mb.

Antes que nada me siento obligado a decirles que si no están familiarizados con el Rock Psicodélico/Espacial, con los sonidos extravagantes y/o locos de esa música, ni con los ambientes Stoned del Stoner Rock, aléjense de Acid Mothers Temple, húyanle como si de una peste se tratara, es por su salud auditiva.  Este proyecto japonés, que más parece una especie de tribu pseudo-religiosa y hippie a la quinta potencia, fue fundado en 1,996 por el guitarrista Malato Kawabata y desde entonces han lanzado una fuerte cantidad de álbumes en los cuales exploran hasta el más recóndito lugar del Space Rock, evocándo viejas glorias de los 70's.  Realmente Acid Mothers Temple tomó la bandera del género y se echó al hombro la dirección del mismo en tiempos difíciles.

Está claro que estos tipos están ligados a algún tipo droga alucinógena, muy probablemente LSD, quizá les ayude y les haga más fácil la creación de esto que tan bien hacen, que a veces suena violento, a veces depresivo, y por momentos suena hasta cómico, verdaderamente único.  Me resulta un tanto complicado escribir un poco sobre cada tema, tendría que volverlos a escuchar para tratar de redefinir mis ideas y esta ya no es hora; pero puedo afirmar que les harán entrar en un estado nervioso y alterado con facilidad, ya Cosmic Audrey/Acid Takion de entrada viene con un Kawabata inspirado y demente (vayan preparando el ácido) y apenas son los primeros minutos del disco.   En todo caso, ellos mismos les proveen luego un antídoto a esta locura...

Blue Velvet Blues destaca por su particular estilo, es de ritmo calmado, relajante, muy depresivo, primeramente hundido bajo la frenética guitarra eléctrica, tiempo después queda desnudo el ritmo calmado que se interrumpe ocasionalmente por los efectos en guitarra de Kawabata, y es acompañado por lamentos femeninos que le dan un toque fúnebre a este tema. Es increíble lo locamente bella que es esta música. Voy a usar el título de una canción de ellos que viene en otro álbum: Dios bendiga a Acid Mothers Temple.

Nosotros no precisamente necesitamos drogas para viajar, tenemos a bandas como Gong, Brainticket y Acid Mothers Temple.

Alineación (copiado textualmente de su página para efectos cómicos):

Cotton Casino: vocals, space whisper, synthesiser
Tsuyama Atsushi: monsterbass, acoustic guitar, vocal, cosmic joker
Koizumi Hajime: drums, monk
Higashi Hiroshi: synthesiser, semi-acoustic guitar, fishing rod
Yoshida Fumio: hardy-gardy
Suhara Keizo: bass, video camera
Yoko: cheesecake, photograph
Lovely Ayano: space hi!
Johan Wellens: cosmic narration, freak power
Magic Aûm Gigi: voice, erotic underground
Siwaporn: voice
Audrey Ginestet: cosmic voice
Kawabata Makoto: electric guitars, speed guru
Father MOO: TV gnome

Tracks:

1. Cosmic Audrey/Acid Takion (11:30)
2. White Summer of Love/Third Eye of Whole World (5:52)
3. Golden Bat Blues Dead/Mr Hardy Guidey Man/Magic Aum LSD/Astrological Overdrive (16:12)
4. Right About Rainbow I/Your My Only Super Sunshine/Right About Rainbow II (8:49)
5. Blue Velvet Blues (25:41)

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Ashra - "Blackouts" [1,977]

Banda: Ashra
Disco: Blackouts
Año: 1,977
Género: Electronic
País: Alemania
Tamaño: 64 Mb.

Como alguna vez se mencionó aquí, Manuel Göttsching fue uno de los personajes más influyentes en la escena Krautrock al fundar Ash Ra Tempel con sus amigos Klaus Schulze y Hartmut Enke, un puñado de álbumes después, Ash Ra Tempel desaparecería y Manuel lanzaba así su famoso primer álbum como solista, Inventions For Electric Guitar, en 1,975. Según Manuel, su mente estaba tan colmada de ideas y creatividad que paralelo a su carrera como solista, decidió revivir Ash Ra Tempel, retocando algunas cosas, en primer lugar el nombre, que pasó a ser simplemente Ashra, además de que ahora él era el único integrante; es así como Göttsching se hace cargo de todo, y por último la elección de salir del estilo espacial y abstracto que definió Ash Ra Tempel y dejar que su guitarra eléctrica llevara el peso de las composiciones.

Quienes escuchen este álbum y los que le siguen (Correlations, Belle Alliance) notarán que el estilo de Göttsching quizá les recuerde un poco a lo que Carlos Santana estaba haciendo por aquellos años, algo de eso hay, aunque claro que esto es otro rollo muy diferente, pero de alguna manera sirve para describir vagamente el estilo que Göttsching le imprimió a Ashra.  Es importante mencionar que a pesar del liderato que tiene la guitarra eléctrica, todos los temas están construidos sobre bases de secuenciadores y teclados, es como si el objeto/idea haya sido mezclar el lado frío de la música electrónica de la escuela alemana con el lado cálido y apasionado de la guitarra eléctrica; y Manuel lo logró de una manera magistral.

Hay una pequeña nota de él en el booklet: This record should be heard comfortably, no hay mejor consejo si uno se dispone a escuchar Ashra. Desde los primeros segundos de 77 Slightly Delayed se logra percibir una atmósfera plácida y acogedora. Midnight on Mars es como un viaje por alguna playa éxotica, una experiencia muy relajante gracias a los ecos y efectos de sonido que Manuel utilizó además de su brillante interpretación en la guitarra.  Los secuenciadores toman el control en Lotus I-IV, con la guitarra sirviendo principalmente como fondo; esta pieza no sonaría fuera de lugar en algún álbum de Tangerine Dream.

A pesar que todo este álbum es maravilloso, lo que está un peldaño arriba (les dejo a ustedes el adjetivo), viene con Don't Trust The Kids y especialmente Blackouts, aunque yo las veo realmente como un sólo tema, ya que el secuenciador base de la primera continúa su marcha hasta la segunda. La guitarra inspiradísima de Manuel, que deja aquí algunas de las líneas más bellas y emotivas de toda su carrera (junto con su tema "Mistral"), son sencillamente algo para contemplar.  Para mí es éxtasis puro.

Alineación:

Manuel Göttsching: Guitarrá eléctrica, teclados, secuenciadores, efectos.

Tracks:
1. 77 Slightly Delayed (6:42)
2. Midnight On Mars (6:47)
3. Don't Trust The Kids (3:13)
4. Blackouts (4:38)
5. Shuttle Cocks (8:29)
6. Lotus Part I - IV (16:51)

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Embryo - "Opal" [1,970]

Banda: Embryo
Disco: Opal
Año: 1,970
Género: Krautrock, Jazz/Fusion
País: Alemania
Tamaño: 47 Mb.

De todos los álbumes de Embryo, me parece que este, el debut, es el más experimental y psicodélico, aunque es evidente que por debajo de esas dos corrientes tenemos como base una banda de Jazz/Fusion probando cosas distintas. Y aquí, en Opal, escuchamos bastantes; especialmente el coqueteo con World Music (atención Revolution), mezclado con jams de Free Jazz, saxofón predominante y psicodélico, rematado con voces casi siempre susurradas (con la excepción de You Don't Know What's Happening).  ¿Qué tenemos como resultado de esta mezcla?

Es difícil decir una respuesta concreta. Quizá la palabra más adecuada sea "ecléctico", y siendo así, hay algunos momentos extraños en un par de temas, como la locura hacia el final de Glockenspiel. Pero si ya están familiarizados con las rarezas del Krautrock esto no será problema muy grande, después de todo, sabemos que dentro del género casi no hay nada (quizá nada) que suene normal y/o convencional.

De la primera parte del álbum podemos destacar Opal y Revolution, Opal grita desesperadamente "60'ssssss", y la segunda tiene mucha fuerza, Edgar Hoffman la hace especial con sus notas en saxo (en este punto se notan mejor las influencias World...). Más adelante Opal se pone aún mejor, con Call y End of Soul, en donde John Kelly se sale con su improvisación en guitarra. Paradójicamente End of Soul, es un tema con mucho Soul.

Pero todo esto ha sido una mera preparación para lo que nos espera con People From Out the Space.  El título es suficiente como para pensar que se trata de algo muy especial.... ¿o espacial?  Me inclino en afirmar que las dos. Percusión y un fuerte y claro bajo abren el tema con un ritmo que va ganando intensidad y que estalla en 1:03 con el saxo de Hoffman.  Sublime, sinceramente sublime.  Luego de un duelo entre solos de guitarra y saxo, la melodía enigmática regresa en 5:57, y en este punto estoy seguro que la gente del espacio exterior ha de estar muy contenta con lo que están escuchando.

A mi criterio de lo más salvaje, experimental, pero al mismo tiempo refinado que podemos encontrar en la vieja ola de Krautrock. Claro que Rocksession es de obligatoria inspección, aunque para esas fechas, lo salvaje y experimental había ya cedido ante la cara más Jazzy de Embryo.  ¡Qué disfruten ambos discos!

Alineación:

Christian Burchard: Voz, Batería
Ralph Fischer: Voz, Bajo
Edgar Hofmann: Saxofón, Percusión, Flauta
John Kelly: Guitarra, Voz
Bettsy Alleh: Voz.

Tracks:
1. Opal (2:47)
2. You Don't Know What's Happening (4:52)
3. Revolution (4:35)
4. Glockenspiel (5:06)
5. Got No Time (1:32)
6. Call (3:32)
7. End of Soul (4:14)
8. People From Out the Space (7:36)

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Pharaoh Overlord - "# 1" [2,000]

Banda: Pharaoh Overlord
Disco: # 1
Año:2,000
Género: Stoner Rock, Psychedelic Rock
País: Finlandia
Tamaño: 77 Mb.

Hoy traigo algo para los camaradas Kraut-psicodélicos que siguen el blog. Pharaoh Overlord es el side project de la banda experimental Circle, originaria de Finlandia y que tiene grandes influencias de Krautrock.  Aparentemente, este proyecto surgió como homenaje al amor de los miembros de Circle por las bandas ácidas/psicodélicas de los años 60, amor por muchos compartido en la era actual, pero no por muchas bandas manifestado de la forma tan hechizante que lo hace Pharaoh Overlord.

Comencemos por anotar que la portada y el tipo de letra te da una idea de qué es lo que viene dentro.  Luego puedo afirmar que lo de Pharaoh es bastante minimalista, no esperen grandes demostraciones de complejidad en la composición, ni tempos muy alocados. Lo que hace la banda es improvisar sobre un ritmo (generalmente de lento, aunque bastante moderado en Mangrove) repetitivo, y dejar que la guitarra se haga cargo de la mayoría de los temas. Personalmente, mi tema favorito es Mystery Shopper, -qué título por cierto- me gusta escucharlo con la mente despejada, así es más fácil perderse en sus matices espaciales. He de mencionar que esto no es tan inaccesible como algunos podrían creer.  Para que les afecte de alguna manera, lo único que se necesita es una mentalidad abierta; si les gusta este rollo, 10 minutos se pasan como si fueran 2.

Honor a quién honor merece: Le debo a mi amiga Lily el gran favor de introducirme a Pharaoh Overlord. Comparto esto justo como me lo pediste.

Alineación:

Janne Westerlund: Guitarra.
Jussi Lehtisalo: Bajo, Guitarra.
Tomi Leppänen: Batería.

Tracks:
1. Slow City (9:54)
2. Mangrove (9:07)
3. Mystery Shopper (10:23)
4. Transatlantic (7:11)
5. Alcohol (Blue Flame) (8:13)
6. Landslide Non Stop (9:50)


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Os Mundi - "43 Minuten" [1,972]

Banda: Os Mundi
Disco: 43 Minuten
Año: 1,972
Género: Progressive Rock, Jazz/Fusion, Psychedelic Rock
País: Alemania
Tamaño: 81 Mb.

Descubrí a Os Mundi el año pasado y fue amor a primera vista, se convirtieron en mis favoritos instantáneos. Hay un par de buenas razones para explicar eso.  Primero, si ven los géneros, tuve que escribir esos tres porque no puedo encasillarlos en uno sólo, hay mucho (¿o un poco?) de todos ellos en la música de Os Mundi, que su estilo me resulta bastante original y refrescante, suena extraño decir eso de un disco que tiene 40 años, pero así es como lo veo.

La segunda razón es que tienen algo que engancha fácilmente, no esperen que esto sea tan difícil de apreciar como el Fusion tradicional, o como algo de Mahavishnu Orchestra. Casi todas las canciones fluyen tan bien que apenas notas algo fuera de lugar o extraño.  No se sabe mucho del background de la banda, sólo que nacieron en una época dura en la Alemania de fines de los 60's, precisamente en Berlin, y dedicándose a hacer covers exclusivamente.

A Question of Decision de entrada presenta una idea de lo que 43 Minuten es, guitarra limpia y free sax en abundancia, melodía pegajosa luego, y un jam de flauta como intermedio, muchos dicen que esta es la mejor canción de Os Mundi, pero no puedo afirmar eso, me gustan todas las de este álbum casi por igual. Triple por ejemplo, el delicioso saxo marca la pauta, se suma luego un violoncello y atención a la lírica también, me encanta.

Al tener mucho Jazz/Fusion/Prog, lo instrumental es clave, y Missile e Isn't it Beautiful representan excelentemente las características del caso, una con interesantes solos de guitarra y la otra con un hipnótico saxo psychey que me impresionó mucho. Piezas cortas pero con mucho contenido de calidad instrumental.

Otros dos monstruos, But Reality Will Show y Children's Games brillan especialmente en la segunda mitad del álbum, los trucos de flauta que ya escuchamos en A Question of Decision están de vuelta y me animaría a decir que mejores aún. Esperen detallitos psicodélicos en Children's Games. Ahora, But Reality Will Show es un tema diferente, lírica anti-guerra y en general con un ambiente que denota mucho más sentimiento, me gusta demasiado la melodía en violoncello (0:43), suena tan nostálgica y triste, al igual que el bello solo de guitarra (3:46), después las voces regresan con más feeling que antes (5:43), el cello y sax cierran la pieza (6:07) y me queda aquella impresión "ahhhhh esto es tan inspirado".

Álbum altamente recomendado para todos los progheads que amablemente prestan su atención a este blog. Incluso los Krautrockers tienen muchas posibilidades de apreciarlo, o si simplemente les gusta el rock clásico, dénle una oportunidad a esta rara pieza musical. Mi camarada Speedy Alfrodo, lo favoriteó un par de minutos después de darle play, quizá a ustedes les guste también.

Alineación:

Udo Arndt: Guitarra, Teclado y Voz.
Ute Kannenberg: Voz.
Andreas Villain: Bajo.
Dietrich Markgraf: Saxofón y Flauta.
Christoph Busse: Batería, Guitarra y Voz.
Conny Plank: Guitarra.
Buddy Mandler: Percusión.
Mikro Rilling: Violoncello, Percusión y Voz.

Tracks:
1. A Question of Decision (7:40)
2. Triple (5:07)
3. Missile (3:05)
4. It's All There
5. Isn't it Beautiful (2:17)
6. But Reality Will Show (6:30)
7. Children's Games (7:59)
8. Erstickubungen (6:21)
9. Fortsentsung Folgt (1:17)

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Sacrifice - "Torment in Fire" [1,985]

Banda: Sacrifice
Disco: Torment in Fire
Año: 1,985
Género: Thrash Metal
País: Canadá
Tamaño: 33 Mb.

Rayos y centellas diría Robin, "Torment in Fire" es otro de esos discos con los que quisiera ser enterrado (otro por ejemplo es "Spectrum of Death"), la razón es que ya a estas alturas estoy seguro que lo mío en el Thrash, es el Thrash crudo y brutal. Está bien el Thrash más técnico tipo Coroner o Mekong Delta, qué digo está bien, ¡está excelente!, pero hay algo acerca del Thrash más brutal, más raw que me atrae demasiado.

Lo que tenemos acá es una banda de cuatro jóvenes canadienses que inspirados por la creciente ola Thrash que se expandía en las escenas "bases" como San Francisco y Alemania principalmente, quisieron apoyar la escena canadiense con este, su primer LP, que dicho sea de paso, sirvió de influencia a otras bandas canadienses como Infernal Majesty, es decir, ese tipo de Thrash sucio/maligno/oscuro. Y hay mucho de eso aquí. La intensidad, la furia, lo crudo, todo me hace a veces pensar que este disco fue grabado en una caldera del infierno, particularmente en temas como "Burned at the Stake" e "Infernal Visions".  Como pueden ver el tracklist es extenso pero los temas son cortos en su mayoría, muy acorde al estilo que tocan, son letalmente directos como un buen amigo los describió.

No trato de convencer a nadie acá de nada, pero creí conveniente dejarles esta nota adjunta al LP, unos estarán de acuerdo, otros no, pero veánla de todas maneras.

Fanáticos de Possessed, Sarcófago, Dark Angel (tres bandas ENORMES) seguramente apreciarán el esfuerzo que hizo Sacrifice con "Torment in Fire", si ya las conocen y no conocen a Sacrifice, váyanse dando una idea.  Suerte Thrashers, hasta una próxima oportunidad.

Alineación:

Tracks:
1. The Awakening (1:36)
2. Sacrifice (3:10)
3. Turn In Your Grave (3:53)
4. Homicidal Breath (2:57)
5. Warrior of Death (3:07)
6. Infernal Visions (2:34)
7. Burned at the Stake (4:43)
8. Necronomicon (2:36)
9. The Exorcism (2:55)
10. Possession (1:53)
11. Decapitation (1:36)
12. Beyond Death (5:35)

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Brainticket - "Cottonwoodhill" [1,971]

Banda: Brainticket
Disco: Cottonwoodhill
Año: 1,971
Género: Krautrock, Psychedelic Rock, Acid Rock
País: Suiza
Tamaño: 63 Mb.

Este, el primer álbum de Brainticket es ácido, bastante ácido, tanto así que se tomaron la molestia de advertirselo a cualquiera que se atreviera a escucharlo mediante la siguiente leyenda en la contraportada del disco:

"After listening to this record, your friends may not know you anymore" ... "only listen to this once a day. Your brain might be destroyed!".

A decir verdad, luego de varios cientos de horas dedicados a la exploración del Rock Ácido/Psicodélico, debo decir que todavía no me he topado con algo tan intenso como esto. Cottonwoodhill puede dividirse perfectamente en dos partes. La primera, que comprende los tracks 1 y 2, se podría denominar la parte rock casi convencional.  Hay sin embargo detallitos pysch por aquí y por allá. pero en general es relativamente fácil al oído y suave con el oyente. "Places of Light" me gusta mucho, la flauta y organo crean un groove bastante funk, el tipo de groove que funcionaba tan bien por aquellos años. Aquí hace su aparición la bella Dawn Muir que decora el tema con su voz con efecto robótico/psicodélico. Este es sólo un adelanto de lo que viene a continuación.

La segunda parte de este álbum es muy distinta, es la esencia bizarra y psicodélica que hace a este disco todo un viaje.  "Brainticket Part One" se construye alrededor de un riff de organo que se repite hasta el final y complementado con una simple guitarra, toda clase de efectos de sonido, desde vidrio roto, sirenas, hasta la deliciosa y sensual voz de Dawn Muir cantando cosas verdaderamente trippeadas (Did you hear me touch you with my eyes?) y aparentemente entrando en una especie de trance psico-sexual que llega a su climax en "Brainticket Part Two".  Los últimos 3 minutos de ese tema (desde que Dawn dice "Are you glad I'm here?) son el caos total que pone punto final a este trip, que no tendría futuras reencarnaciones dentro de la discografía de Brainticket. Creo firmemente que el LSD tuvo mucho que ver en la realización de Cottonwoodhill, y para nuestra fortuna, porque a los locos que nos prende la música psicodélica y el Krautrock nos resulta difícil encontrar algo con qué comparar la locura de este disco.

He estado oyendo la saga "Brainticket" más de una vez al día últimamente, mi cerebro ha de estar muy dañado, pero jamás me he sentido tan bien.

Alineación:

Joel Vandroogenbroeck: Teclados, flauta.
Dawn Muir: Voz.
Ron Bryer: Guitarras.
Werner Fröhlich/Werni Prahlach: Bajo.
Helmuth Kolbe: Teclados.
Cosimo Lampis: Batería.
Wolfgang Paap: Percusión.

Tracks:
1. Black Sand (4:06)
2. Places of Light (4:06)
3. Brainticket Part One (8:21)
4. Brainticket Part One Conclusion (4:36)
5. Brainticket Part Two (13:13)

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Coroner - No More Color [1,989]

Banda: Coroner
Disco: No More Color
Año: 1,989
Género: Technical Thrash Metal
País: Suiza
Tamaño: 39 Mb.

No hay mejor forma de definir a Coroner que llamarlos "Los Rush del Thrash Metal", legalmente hay que mencionar que se caracterizaron por la complejidad de sus composiciones y los sutiles toques progresivos infundidos en la mitad de sus álbumes. El primer dato que viene a la mente al hablar de Coroner es su origen, Suiza; quién hubiera pensado que de Suiza surgiría una banda tan interesante y original como la que estos tres hombres armaron, ellos tomaron el Thrash y lo refinaron a base de gran técnica. Claro está que esto tomó un poco de tiempo, el primer LP de Coroner, apenas empezaba a demostrar los detalles tecnico-progresivos que explotaron en el trabajo que hoy les presento y que se perfeccionarían en el álbum de 1,991, Mental Vortex.

Amigos metaleros, si treinta segundos dentro de Die By My Hand, no están moviendo la cabeza, algo anda mal con ustedes. Los riffs explosivos de Tommy Baron hacen a esta rola. Los bajistas deben escuchar atentamente Mistress of Deception y disfrutar del virtuosismo de Ron Royce, si pueden busquen algún video en vivo para deleitarse más. Para muchos no será sorpresa pero para los que aún no saben, el recordado Chuck Schuldiner era un gran fanático de Coroner, lo manifestó en una entrevista y con orgullo lució la camisa de la banda en diferentes conciertos a finales de los 80's. Si una eminencia de la talla de Schuldiner seguía a esta banda ¿Ustedes no lo harían?

Death circa 1,990. Chuck Schuldiner vistiéndo su t-shirt de Coroner



Alineación:

Ron Royce: Voz, Bajo.
Tommy T. Baron: Guitarra
Marquis Marky: Batería

Tracks:
1. Die by My Hand (3:49)
2. No Need to Be Human (4:32)
3. Read My Scars (4:33)
4. D.O.A (4:21)
5. Mistress of Deception (4:59)
6. Tunnel of Pain (4:31)
7. Why it Hurts (3:48)
8. Last Entertainment (3:55)

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Manuel Göttsching - E2-E4 [1,981]

Artista: Manuel Göttsching
Disco: E2-E4
Año: 1,981
Género: Electronic
País: Alemania
Tamaño: 67 Mb.

A los electro-heads que pasen por acá les pregunto, ¿Saben cuál fue el álbum "transición" entre la escuela alemana electrónica y el nacimiento del Techno, House y demás ramificaciones de la música electrónica? No, no es Computerwelt, ni algo de Kraftwerk. Lo que Kraftwerk hacía para ese entonces era aún demasiado frío. El artista que dió ese paso crucial fue nada más ni nada menos que el líder de Ash Ra Tempel, Manuel Göttsching, quién junto a Klaus Schulze y muchos otros gigantes escribió la historia de la música electrónica en Alemania una década antes.

Resulta que Göttsching, al regresar a su estudio una noche de diciembre del '81 luego de acompañar a Schulze en una gira, comienza a experimentar con todos los instrumentos que tiene a su alcance, incluyéndo su guitarra, e improvisa una pieza de una hora de duración, la cual comparte con Schulze sin intenciones de comercialización; pasarían 3 años para que Schulze le pidiera a Göttsching su autorización para lanzarla al mercado bajo su sello discográfico. De esa cuenta, el álbum es fechado en 1,984 en algunas fuentes. En un principio Göttsching no estaba seguro de qué nombre darle a su obra, no se sabe exactamente cómo o por qué se decidió por E2-E4, pero si me preguntan, tiene mucho sentido, ya que, siendo este el movimiento más arraigado en el juego de ajedrez, el movimiento que universalmente inicia una partida, caza a la perfección dentro del contexto de lo que el álbum en sí causó a la postre en el mundo musical.

La palabra clave aquí es 'postre' ya que las críticas de música de ese tiempo fueron duras con este álbum, talvez era difícil asimilar algo tan nuevo y sin precedentes; pero gracias a gente como el recordado DJ Larry Levan, y otros DJ's, E2-E4 comenzó a cavar su nicho en el panteón de la música influyente (Recordemos que artistas como The Prodigy, The Orb, entre otros aparecerían hasta 10 años después).

Y es que una vez el oyente se sumerge en ese mosaico de melodía, arpegios en sintetizadores, secuenciadores, un conjunto infinito de sonidos, que hacen que 59 minutos pasen volando; agreguémos a la mezcla, la delicada y elegante guitarra eléctrica que hace su aparición alrededor del minuto 30, y ¿qué tenemos?... E2-E4, o P4R, como prefieran, es decir, un movimiento fundamental.

Con este tema, Manuel Göttsching nos invita a meditar, bailar, delirar, etc.., algo diferente en cada quién. E2-E4 tiene tantas capas de música que provoca muchas emociones, pero ciertamente Manuel se había alejado ya de la etiqueta Kosmische Musik, y pasó a una fase más humana al proponer este diálogo entre su guitarra y sus sintetizadores. Aficionados casuales a el Techno/House/Chillout también disfrutarán de esto de la misma manera que los adictos a la Escuela de Berlín. El hombre de Ash Ra Tempel unificó ambas corrientes separadas por 30 años, ¿No es eso magnífico?



Alineación:

Manuel Göttsching: Todos los instrumentos.

Tracks:
1. E2-E4 (58:24)

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Peter Baumann - Trans-Harmonic Nights [1,979]

Artista: Peter Baumann
Disco: Trans Harmonic Nights
Año: 1,979
Género: Electronic
País: Alemania
Tamaño: 80 Mb.

Habiendo dejado Tangerine Dream a mediados de los 70's, Peter Baumann inició su carrera como solista en 1,976 con el exitoso álbum 'Romance '76'. Con la formación en la escuela electrónica alemana de esa época, no era sorpresa que sus esfuerzos musicales fueran bien recibidos por las críticas europeas; por todos era conocida la habilidad y creatividad de Peter en los sintetizadores, y para muchos, Tangerine Dream nunca volvió a ser el mismo luego de su salida.

Sin embargo, Baumann dejó por un lado las composiciones de 15+ minutos, y se dedicó a crear piezas compactas, mucho más condensadas y con mucho ritmo; ese fue el 'trademark' de su estilo como solista, lo conservó a pesar que sus álbumes guardan poco parecido y/o relación entre ellos. En mi opinión, Trans-Harmonic Nights es el álbum que sobresale del grupo, prácticamente todo lo que aquí fue impreso, suena tan fresco hoy en día, como lo habrá sonado en 1,979; y no está de más añadir que en 1,979 a muchas personas les pareciera que temas como "The Third Site" estuvieran muy adelantados a su época, especialmente de 1:10 en adelante. Lo que hay ahí es agresivo, de sonido casi industrial, y simplemente hermoso, de una rama electrónica poco incursionada en Alemania en ese entonces, para mí, suena a Kraftwerk en esteroides.

El material de Trans-Harmonic Nights está garantizado de satisfacer los gustos de fanáticos de Tangerine Dream, desde momentos de melancolía, hasta ritmos futuristas, eso sí, nada de la pomposidad de sus años TD, que tan bien se prestaban para la meditación. Esto es más directo, y definitivamente único, ni siquiera en futuros trabajos volvió Peter Baumann a sonar así. Que lo disfruten...


Alineación:

Peter Baumann: Todos los instrumentos

Tracks:
1. This Day (5:15)
2. White Bench and Black Beach (5:33)
3. Chasing the Dream (4:34)
4. Biking up the Strand (2:29)
5. Phaseday (5:55)
6. Meridian Moorland (3:28)
7. The Third Site (6:25)
8. Dance at Dawn (3:58)

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Iron Maiden - Maiden England [NEC, Birmingham, 27-28 Nov 1,988]

Banda: Iron Maiden
Disco: Maiden England
Año: 1,988
Género: Heavy Metal
País: Inglaterra
Tamaño: 84 Mb.

Siempre he creído que no hay una mejor banda en vivo que Iron Maiden. A través de los años 80 y las enormes giras mundiales en las que se embarcaron específicamente en esa década, la banda realizó presentaciones simplemente épicas y afortunadamente unas cuantas quedaron preservadas en film para que generaciones de Maiden-maníacos las disfruten.

1,988 fue un gran año para Iron Maiden, ya en pleno estado de 'experimentación' manifestado en el álbum temático Seventh Son of a Seventh Son lanzado ese mismo año y que seguía desarrollando los patrones que empezamos a notar desde el supremo Somewhere In Time (1,986). El álbum fue sumamente exitoso e igualó lo alcanzado por The Number of the Beast (1,982) debutando en el puesto número uno de los charts británicos; por consiguiente la gira Seventh Tour of a Seventh Tour (Mayo 1,988-Diciembre 1,988) aunque más corta que las anteriores, contó con la misma producción e innovaciones que las precedentes. El escenario que era casi tan elaborado como el escenario egipcio utilizado en la gira World Slavery Tour, recreaba el paisaje ártico de la portada de SSOASS, y es de mis favoritos de la banda, ese es un plus especial que pocas bandas aportan a el público.

Como era ya tradición, los fanáticos europeos pudieron disfrutar de un setlist diferente al que se interpretaba en los países americanos, reviviendo algunos temas clásicos que habían estado un poco en el olvido por años. Killers por ejemplo, tema al que Bruce Dickinson le dió una nueva dimensión, otro tipo de vida; y Still Life, un tema excelente al que no muchos le ponen la atención debida, recibe un nuevo tratamiento en vivo después de 5 años sin estar en los setlists. Steve Harris quiso capturar la energía de la banda durante esta gira y que a la postre sería la última en contar con el lineup clásico, ya que pasarían más de 10 años para volver a ver juntos a estos 5 músicos, y decidió dirigir y producir la filmación de de dos fechas sold out en el famoso Nacional Exhibition Center de Birmingham, el resultado fue el VHS que saldría a la venta en 1,989 bajo el nombre de Maiden England.


La presentación que se filmó para Maiden England, en mi opinión, superó en punch a la presentación en Long Beach Arena (1,985) que se filmó para el video Live After Death, y no me malinterpreten, ambos videos son fenomenales pero es quizás que el público británico parece mucho más prendido, y recordemos que Iron Maiden es una banda que se desenvuelve mejor fuera de grandes estadios. Años después de su lanzamiento original, se lanzó a la venta el VHS junto con un CD edición limitada con el audio masterizado que por razones de capacidad dejó fuera los temas Hallowed Be Thy Name y Can I Play With Madness. No obstante es realmente un placer escuchar (y ver, para los que han visto este concierto) a la banda a tope. Hay temas clásicos, temas resucitados, y temas de la fase experimental, formando un equilibrio excelente que dejará contentos a todos los grupos de fanáticos.

Aquí está contenida la mejor versión en vivo que he oído de Die With Your Boots On, después de escucharla es probable que ya no vuelvan a escuchar la lenta versión studio de Piece Of Mind. The Prisoner también suena mucho mejor aquí, quizás esta versión sólo esté por debajo de la versión que viene en Beast Over Hammersmith.

Y qué decir de los tracks tomados de el álbum que promocionaban... suenan tremendamente bien! Infinite Dreams es mi favorita. Hacia el final del álbum contengan el aliento porque Iron Maiden toca la épica Seventh Son of a Seventh Son en todos sus gloriosos 10 minutos de duración, esto no se lo pueden perder.

Material de colección para todo fanático, no se lo pierdan porque esos dos shows en el NEC fueron quizás los mejores que Iron Maiden dió en 1,988. Lo que si hemos perdido la mayoría, son un poco de las esperanzas y expectativa que Harris había despertado cuando en 2,007 anunció públicamente que las cintas originales de Maiden England recibirían una restauración y se transferirían a formato DVD. Mientras tanto, espero que mi antiguo VHS resista las horas y horas que le esperan de reproducción.

Up the Irons!


Alineación:

Bruce Dickinson: Voz
Steve Harris: Bajo
Adrian Smith: Guitarra
Dave Murray: Guitarra
Nicko McBrain: Batería

Tracks:
1. Moonchild - 5:42
2. The Evil That Men Do - 4:18
3. The Prisoner - 5:56
4. Still Life - 4:31
5. Die With Your Boots On - 5:10
6. Infinite Dreams - 5:52
7. Killers - 4:53
8. Heaven Can Wait - 7:31
9. Wasted Years - 4:54
10. The Clairvoyant - 5:42
11. Seventh Son of a Seventh Son - 10:10
12. The Number of the Beast - 4:45
13. Iron Maiden - 5:01

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Conrad Schnitzler - Conal [1,981]

Artista: Conrad Schnitzler
Disco: Conal
Año: 1,981
Género: Electronic/Ambient
País: Alemania
Tamaño: 75 Mb.

Si el lector es de mente muy abierta, apreciará más fácilmente esta oscurísima pieza Electronic/Ambient del maestro Schnitzler. La primera vez que escuché N1 pensé que era de lo más inescuchable que se podía encontrar en la música; pero como todo elemento musical de calidad, es el paso del tiempo y las repetidas audiciones las que hacen que uno encuentre la esencia en la música.

Y la esencia de N1 y N2 es someter al oyente a un ambiente sumamente incómodo, Schnitzler nos lleva a través de un viaje que tiene por guía un sintetizador que poco a poco se vuelve más lento (N1, a partir de 2:35), y mientras más lento, más incómoda la atmósfera... Schnitzler supo verdaderamente como enfocar sus esfuerzos electrónicos en la creación de psicodelia. No hay instrumentos convencionales a la vista... perdón, al oído; lo único convencional es el sintetizador, y es poco usado dicho sea de paso.

No hay mucho más que describir, ni la música ni el autor son convencionalmente adecuados como para descripciones profundas, sólo puedo asegurar que los partidarios de la experimentación adorarán esto....

Alineación:
Conrad Schnitzler: Todos los instrumentos

Tracks:
1. N1 - 20:43
2. N2 - 20:57

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Yatha Sidhra - 'A Meditation Mass' [1,974]

Banda: Yatha Sidhra
Disco: A Meditation Mass
Año: 1,974
Género: Krautrock
País: Alemania
Tamaño: 53 Mb.

Los cuarenta minutos de música en éste álbum son en efecto, una masa meditativa. Una larga y relajante travesía por rincones lejanos de la mente; un tipo de experiencias que sólo podían ser creadas por los grandiosos grupos y artistas de la Alemania de hace más de 30 años, y ésta precisamente es de las más oscuras.

Rolf y Klaus Fichter fundaron Yatha Sidhra en 1,973 aunque con otro nombre en su comienzo, luego decidieron buscar un nombre que fuera acorde a la música y dirección que el primer y a la postre, único álbum estaba tomando. Ésta es básicamente una larga canción de cuarenta minutos de duración, hay gran cantidad de influencia étnica, lograda mediante una bella flauta india, percusión del medio oriente e incluso participación de sintetizadores y el famoso Moog que tan esencial era en esa época. Algunas fases evocan a otras y se consigue mantener el sentimiento de familiaridad mientras las partes de ésta pieza avanzan; no diría que es repetitivo sino ideal, ya que hay tanto ocurriendo alrededor que merece atención... en especial la guitarra eléctrica a veces psicodélica y la flauta india flotando entre la mezcla. Entre las partes 2 y 3 podemos escuchar sutiles toques de Jazz que levantan el ritmo de a poco, excelente material.

La anterior descripción quizá no evoque un sonido Krautrock del todo, aunque para mí lo es, sólo que en una forma distinta de impactar al oyente. Krautrock o no, las comparaciones con similares, como Popol Vuh, y Agitation Free son permitidas, recordemos que Popol Vuh también puso mucho énfasis en la meditación y relajación en varios de sus trabajos. Al escuchar este casi instrumental esfuerzo de Yatha Sidhra asegurense de estar tranquilos y relajados, si tienen afinidad por el Krautrock ya llevan medio camino recorrido, y si no, dénle una oportunidad a algo nuevo en sus experiencias musicales... repetidas sesiones son el camino a seguir en el territorio Krautrock.

Alineación:
Rolf Fichter: Sintetizadores, Moog, Flauta, Piano, Piano eléctrico, Voz y Guitarra eléctrica.
Klaus Fichter: Batería, Percusión.
Matthias Nicolai: Bajo, Guitarra 12 cuerdas.
Peter Elbracht: Flauta

Tracks:
1. A Meditation Mass Part 1 (17:44)
2. A Meditation Mass Part 2 (3:10)
3. A Meditation Mass Part 3 (12:04)
4. A Meditation Mass Part 4 (7:09)

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Scott Henderson's Tribal Tech - 'Illicit' (1,992)

Banda: Tribal Tech
Disco: Illicit
Año: 1,992
Género: Jazz/Fusion
País: Estados Unidos
Tamaño: 87 Mb.

La advertencia de la portada es clara:

-Melodías Explícitas
-Armonías Sugestivas
-Ritmos Gráficos

El Jazz/Fusion disfrutó de su mejor época en los años 70, pero una década después hubieron ciertos artistas que se dieron a la tarea de mantener viva esta maravillosa corriente del Jazz e infectaron el Fusion de una nueva vitalidad. Scott Henderson es uno de esos artistas, el virtuoso guitarrista de Florida comenzó su carrera muy joven (20) colaborando en un álbum de Jean-Luc Ponty, eso lo puso en el mapa del Jazz, su estilo era original y versátil. El chico que había crecido delirando con canciones de Chick Corea y Weather Report ahora ganaba una oportunidad invaluable de trabajar con sus ídolos, pues Chick Corea lo involucró en su proyecto Chick Corea's Elektric Band en los años 80, años en los que como todo buen artista Jazz, participó en grabaciones de muchos de sus colegas, pero a finales de 1,984 decidió formar su propia banda junto con su amigo y bajista Gary Willis, y así, dos de los compositores y músicos más originales de su generación crearon lo que críticos han llamado La continuación de Weather Report.

La banda tomó el nombre de Tribal Tech y por un lapso de 16 años y 10 álbumes dejaron su huella en el Fusion, siempre improvisando y sonando tan frescos como en su primer trabajo Spears (1,985). Creo que una de las mejores cualidades de Tribal Tech es su capacidad de hacer que aún sus composiciones más complejas se queden pegadas en la mente, está música no tiene hooks, sin embargo uno se encuentra murmurando los ritmos después, es extraño. Para muestra, un botón... Al escuchar los primeros 15-20 segundos de The Big Wave alguien podría pensar "¿esto suena a Kenny G?" a lo que Henderson respondería: "no amigos, esto es el Fusion del futuro", y ciertamente la banda desata un furioso torrente musical que es casi una bofetada para los que creían que este era un grupo lighty light. Y aunque hay temas suaves, estos incluyen pasajes en los que simplemente me quedo boquiabierto por el fino sentido de precisión y elegancia en la ejecución.

Henderson y Willis han dedicado sus vidas a el Jazz, Tribal Tech es sólo uno de los tantos proyectos en sus carreras, no puedo dejar de recomendar el resto de sus discografías como solistas y/o colaboraciones.

Alineación:
Scott Henderson: Guitarra
Gary Willis: Bajo
Scott Kinsey: Teclados
Kirk Covington: Batería

Tracks:
1. The Big Wave
2. Stoopid
3. Black Cherry
4. Torque
5. Slidin' into Charlisa
6. Root Food
7. Riot
8. Paha-Sapa
9. Babylon
10. Aftermath

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